LA GASTRONOMIE DU RESTE
photographie numérique noir et blanc

48 photographies /formats divers
tirages conservatoire et acquisition :
impression pigmentaire / muséum etching
nombre de multiples : 10 exemplaires

La gastronomie du reste (le titre est du psychanalyste T.BURKOVIC) est un travail qui se situe entre nature morte et surréalisme. Il nous faut manger pour disserter de la chose publique et de la chose intime. Dans ces saynètes l’Ichtus, incarné ou sin-carné, seul ou en groupe dans son principal théâtre qu’est l’assiette, devient miroir de nos relations à l’autre, à soi même, à notre imaginaire collectif.

Les séquences parfois analytiques, parfois métaphysiques couvre les larges interrogations des sardines depuis qu’elles sont sardines. Autre monde, autre mœurs, la vie après, la chose religieuse, les mutations, le transsardinisme, l’hybridation, la réparation, l’être et le néant, Thomas Pesquet et l’odyssée de l’espèce…

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Solitude,
séduction,
sociabilité,
séparation,
satire…

sardines ;

ou la gastronomie du reste.
 

"A fleur de corps"

Une photographie empreinte de matières, de textures et de transparences; un grain oscillant entre marque et effacement; des flous qui exacerbent l'emmêlement du visible et du sensible... là réside la substance formelle d' "A fleur de corps".
Si l'individu et les mécanismes intimes qui participent à sa construction occcupent bien une place prégnante dans les recherches actuelles de Marielsa Niels, cette série en est sans nul doute une préfiguration construite et aboutie.
Ici, la photographe tente de sonder l'enveloppe corporelle de la conscience, examine les interstices entre apparence et essence, scrute les liens ténus de la transmission entre générations.
Son processus de création participe pleinement au développement de ces explorations. Comme un entrelacement de strates, les jeux de trois temps photographiques - trois générations d'individus - trois séries de corps, dévoilent la pluralité de ce qui nous anime et nous forge. Par transparence, au-delà de son caractère parfois trompeur, l'image du corps émerge alors comme la somme de nos héritages substantiels. A l'égal du grain qui le caractérise et marque tout à la fois la texture de la peau et un univers mouvant, ce travail joue de la lisière, du basculement. De la sorte, à travers la photographie sensible d' A fleur de corps, Marielsa Niels tend à rendre l'invisible et le perceptible tangibles.
Anne Eléonore Gagnon

Avec Jean-André BERTOZZI on aborde la notion de collection avec sa série «Ressorts» montrée pour la première fois en galerie. Le protocole est simple : un ressort, à chaque fois différent, et l’adjonction d’un autre élément incongru.
L’interrogation est immédiate, toujours, le paradoxe souvent et l’humour parfois. Où veut-il donc nous emmener ? Peu importe fnalement son intention. L’intérêt est d’enrichir la diversité à partir de son protocole pré-établi, de faire vibrer les couleurs comme les objets sur les «Ressorts». A ce stade il ne manquerait qu’une chose, le son qui accompagne généralement la vibration des objets...

Pour Jacques CAMBORDE, si la joie se partage comme le rire ou le sourire, le chagrin est intime. Un effacement des émotions pénibles régit le lien social et les larmes d’aujourd’hui sont essentiellement le privilège de l’enfance. La convention du sourire lors des séances de photographies amicales ou familiales tient dans la célébration affchée du quotidien et du lien avec les autres.
D’où l’insolite de la démarche de Jacques Camborde. Prendre le vif du visage meurtri d’hommes ou de femmes qui ne sont pas en souffrance et dont il requiert la posture des larmes. A froid, dans une situation indifférente, sous le regard de l’artiste qui attend leur bonne volonté, ils expriment les mimiques du chagrin et pleurent. Le visage s’abîme dans le rire ou les larmes, c’est-à-dire dans les excès. Il cesse d’être visage. Si le rire annule le personnage social que chacun s’évertue à être, les pleurs en révèlent la nudité, la fragilité. L’homme ou la femme qui pleure retrouve le visage éperdu de l’enfance blessée.
D’où aussi le vertige qui se dégage de ces portraits qui nous touchent au cœur car ils dévoilent des hommes et des femmes démunis, mis à nu, avec le sentiment que flotte sur les visages quelque chose d’une âme meurtrie.
Texte extrait de «Le don des larmes» du Pr David Le Breton.

"SUTURE" est une série de photographies numériques réalisée entre 2013 et 2016. Elle est composée de 23 diptyques de formats différents basés sur le même modèle :
- un autoportrait, gros plan sur une partie du corps
- une photographie d'un morceau de bois flotté
Suture est également un livre d'artiste contenant photographies et extraits de mon journal personnel.


"SUTURE"

« Rapport indiciel à la réalité. Je veux juste une trace de ma douleur. » Extrait de mon journal.
Tout le monde a déjà ressentie la douleur, qu'elle soit physique ou psychique, mais nous arrivons rarement à l'exprimer entièrement.
Les mots, les cris, les larmes et les gestes sont souvent dépassés par la douleur. Cela est d'autant plus vrai lorsqu'il s'agit de souffrance mentale.
J'ai essayé ici d'exprimer les différentes douleurs et sources de douleurs qui me parcours. J'ai essayé d'embrasser ces souffrances pour mieux les comprendre.
Fragmentaire, cette série est aussi composée de vides, pour laisser place aux liens qui sont encore à faire, comme s'il restait toujours une part d'indicible et d'invisible.
Au commencement de ce projet, je photographiais de simples traces sur mon corps, ainsi que des instants plus vides, des entre-deux. En les confrontant avec des morceaux de bois morts et marqués par l'érosion, je mettais mon quotidien face à la mort. J'y voyais ma volonté de laisser la trace d'instants intimes très simples perturbés par mes angoisses
personnelles.
Avec les années, cette série est allé de plus en plus vers la représentation de mes douleurs, physiques ou mentales.
Accidents du quotidien, peines de cœur ou auto mutilations, tout est représenté en lien avec ces bois flottés, morts, brisés, si beaux et lisses maintenant. Je fais la suture entre moi et l'idée de la mort, entre ma peau vivante et ces corps végétaux à jamais marqués.
Moi, je peux cicatriser encore, mais en prenant ces blessures en photos, je les amène au même niveau que ces reliques d'une vie passée, marquée par le temps.
Je perds ainsi mon corps, je me fragmente et me met à distance par la photographie. Mais je me regarde aussi, je comprends ma douleur, reprend contrôle de mon corps en le cadrant dans mes images.

LUCIOLE

Les images médusées contre des fragments de murs arrachés au passé peuvent avoir quelque chose de fascinant. Comment les ré-interpréter ? 
Comment une image survit-elle à l'écoulement du temps, à travers des événements ou des horizons qui s’éloignent ?
De quoi une apparition est-elle l’achèvement ?
L’image primordiale fabriquée de main d’homme prend naissance dans l'obscurité, notamment à travers la magie pariétale.
C'est cette condition nocturne, fascinante et incertaine comme les rêves, qu’il faut retrouver dans la chambre noire. Pendant ce processus de fabrication d’une image, surgit une tension entre le noircissement progressif du papier et la trace d’une lumière fragile qu’il faut retenir.
Luciole dans notre main, contre l’obscurité de nos certitudes, si fragiles…
 

Une visite virtuelle en 3D, de cette exposition,
réalisée par la société NOTORYOU
est disponible en cliquant sur le
lien ICI

Le livre des morts du détective Harold S. Stiehler

Tout commence en 2011.
Les images présentées n’existaient pas et n’auraient d’ailleurs jamais dû exister. Mais voilà, un concours de circonstances, certains appelleront cela du hasard ou encore un accident de parcours, en a décidé autrement. Elles se sont formées, pour disparaître presque instantanément. Et pour tout dire je n’ai pas vu grand-chose, mais j’étais là. Tout s’est passé tellement vite. La prise des clichés a figé des images improbables, en tout cas imprévues.

Capture aveugle, matérialisation d’une image impossible.
Le temps et l’espace se sont pour ainsi dire comprimés. Dans le même temps, l’image s’est fragmentée, figeant dans ce temps fugitif différents instants. La photographie est devenue une concentration d’informations réorganisant des lieux, des êtres et du temps.
Ne pas être en réaction, laisser les choses se décanter, le temps qu’il faut pour réapparaître et se révéler, prémices à un dialogue.

Extrait du texte "Images improbables" de Bénédicte Reverchon

Vous connaissez son nom, Marc Le Mené, car vous avez déjà vu certains de ses travaux, dont quelques “Chambres Mentales”, à la galerie ou hors les murs. Cette série commencée fin 1996 s’est beaucoup enrichie en 20 ans et son nombre aujourd’hui est de 250 photographies. Nous avons choisi de soutenir ce travail, que l’on peut considérer comme ultime. C’est en effet 20 ans de création photographique que nous présenterons en une exposition évolutive de semaine en semaine. C’est un beau challenge de réaliser cet exploit, celui de présenter dans notrre espace 250 photographies encadrées en 60x70 cm.
A vous public de relever maintenant cet exploit et de venir chaque semaine à la galerie pour découvrir la suite de son travail...

Un catalogue est édité par la galerie. Texte de Emmanuel GUIGON
 36 pages 21x21 cm au prix de 10 € .
Et sur commande, par envoi postal  : 13 €